Povestea unei iubiri neîmpărtășite (carte: J. M. Coetzee – Polonezul)

Sunt toate marile povești de iubire simetrice? Poate că, de fapt, în pofida aparențelor, nu există niciodată sau aproape niciodată, dragoste împărtășită în aceeași măsură de cei doi parteneri? Ba dimpotrivă, cele mai interesante povești de iubire din patrimoniul cultural și literar sunt tocmai cele care descriu iubiri asimetrice sau neîmpărtășite? Acestea sunt câteva dintre întrebările care mi-au venit în minte atunci când am citit ‘Polonezul’ lui J.M. Coetzee, apărută în 2024 în colecția ‘Raftul Denisei’ a editurii Humanitas Fiction în traducerea impecabilă a Irinei Horea.

John Maxwell Coetzee s-a născut în 1940 și și-a desfășurat o mare parte din activitate în Africa de Sud. În 2002 s-a mutat la Adelaide, în Australia și din 2006 este și cetățean australian. ‘Polonezul’ poate fi considerată una dintre operele ‘de senectute’ ale scriitorului care a primit Premiul Nobel în anul 2003. Vârsta este o altă temă importantă. Scriitorul avea 83 de ani când a fost publicată cartea care descrie neobișnuita relație dintre un pianist polonez de 72 de ani și soția spaniolă a unui bancher, care are 48 de ani. Dacă ar fi să găsesc un echivalent printre alți mari scriitori contemporani, m-aș gândi la Philip Roth, care și-a dedicat și el o parte dintre romanele și nuvelele publicate în ultimul deceniu al vieții sale îmbătrânirii și relațiilor posibile și imposibile dintre bărbați în vârstă și femei mai tinere. Coetzee a dorit ca această carte să apară mai întâi în emisfera sudică și în limba spaniolă (în traducere), ceea ce era o luare de atitudine față de centralizarea excesivă a vieții literare în emisfera nordica și în spațiul lingvistic anglofon. ‘El Polaco’ a fost publicată deci pentru prima oară în 2023 în Argentina. La cele 166 de pagini de text câte numără ediția românească putem caracteriza textul ca fiind un roman scurt sau o nuvelă. De altfel, în timp ce în Statele Unite cartea a apărut în volum ca un roman de sine stătător, în Australia, Anglia și Canada ea a fost publicată împreună cu alte cinci povestiri mai scurte sub titlul ‘The Pole and Other Stories’. Editura românească a preluat formatul ediției americane.

Cartea este împărțită în șase părți numerotate, iar textul fiecăreia dintre părți este organizat în paragrafe numerotate. Asemănător cu versetele Bibliei sau cu un jurnal cu pagini datate și numerotate. Lectura este marcată de ritmul acestor notații, iar senzația este că admirăm un mozaic format din piese detașabile din care cititorul trebuie să reconstituie întregul.

‘Polonezul’ este povestea unei legături care trece aproape neobservată în ochii lumii și care este percepută în mod foarte diferit de cei doi parteneri. Femeia se numește Beatriz și este soția unui bancher bogat din Barcelona, iar printre obligațiile sale sociale se află și participarea în comitetul de organizare al concertelor de muzică clasică. Bărbatul se numește Witold Walczykiewicz (un nume care are atâtea w-uri și z-uri încât nimeni nu se încumetă să-l pronunțe, comentează femeia la un moment dat) și este un pianist aclamat în Polonia, mai ales că intepret al lui Chopin și destul de cunoscut și în afara țării sale pentru a fi invitat să susțină un concert la Barcelona și mai târziu un curs la o universitate din Girona. Primul paragraf al cărții este singurul care aparține autorului, care descrie într-o frază cum s-au cristalizat în imaginația sa portretele celor doi eroi al carii. Al doilea paragraf o descrie pe femeie:

‘2. La început, el are o idee foarte clară despre cine e femeia. E înaltă, grațioasă; după standardele convenționale, n-ar putea fi socotită frumoasă, dar trăsăturile ei – păr şi ochi negri, pomeți înalți, buze pline – sunt frapante, iar vocea, un contralto grav, are o suavă putere de atracție. Sexi? Nu, nu e sexi și cu siguranță nu-i seducătoare. O fi fost sexi în tinerețe, cum să nu fi fost cu silueta asta?, dar acum, trecută bine de patruzeci de ani, mai curând sugerează o anume distanţare. Când merge, nu-şi leagănă şoldurile, ci alunecă dreaptă, maiestuoasă chiar – un aspect care sare în ochi.

Astfel i-ar rezuma el înfățișarea exterioară. Cât priveşte firea ei, sufletul, o să fie timp să se dezvăluie.’ (pag. 9)

În al treilea paragraf facem cunoștință cu Witold, pianistul polonez:

‘3. Bărbatul e mai problematic. Şi de data asta, ca idee generală despre el, totul e limpede. Un polonez, la şaptezeci de ani, încă viguros, un pianist cunoscut în special pentru interpretarea lui Chopin, deși e un interpret controversat: Chopinul lui nu e defel romantic, dimpotrivă, mai degrabă auster, un Chopin ca moştenitor al lui Bach. Din această perspectivă, el e considerat o ciudățenie a scenei de concert, suficient de ciudat încât să atragă un public restrâns, dar cu putere de discernământ, la Barcelona, oraşul în care a fost invitat, oraşul în care o va întâlni pe femeia grațioasă, cu glas suav.’ (pag. 10)

S-ar fi putut prea bine ca Beatriz și Witold să nu se întâlnească niciodată. În fapt, grațioasa doamnă din Barcelona o înlocuia pe prietena ei care se declarase bolnavă în ziua și seara concertului și căzuse pe ea responsabilitatea de a-i oferi o masă muzicianului oaspete, după eveniment. Conversația decurge aproape banal din punctul ei de vedere. Se despart, dar după scurtă vreme începe să primească mesaje de la Witold. Muzicianul polonez se îndrăgostise de ea. Îi propune să îl însoțească într-un turneu în Brazilia (ea refuză). Își aranjează un master-class în Catalonia, pentru a fi aproape de ea. Face din ea un idol, precum fusese Beatrice (asemănarea de nume nu poate fi întâmplătoare) pentru Dante.

Desi narațiunea este la persoana a treia, întreaga relație este descrisă din perspectiva femeii. Beatriz este flatată de avansurile bărbatului, dar nici pe departe nu are sentimente reciproce. Din punctul ei de vedere moral sau din cel al familiei ei, o legătură amoroasă nu ar fi o catastrofă. Flacăra iubirii în căsnicia ei se stinsese de mult, relațiile cu soțul sunt de o camaraderie tolerantă și el probabil că o înșelase deja de multe ori, dar cu discreție. Ocazia unei clarificări se ivește atunci când perechea îl invită pe muzician la vila lor din sudul Spaniei și soțul se retrage din obligații profesionale. Chiar daca parțial și parcă fără voie, Beatriz cedează insistențelor lui Witold, ea este departe de a înțelege intensitatea iubirii acestuia. Diferența de vârstă face ca apropierea fizică să nu fie ceva firesc, iar femeia burgheză nu are de gând să renunțe la viața de familie liniștită și la cercul ei social stabil. Despărțirea este inevitabilă.

Patru ani mai tărziu, Beatriz primește vestea că Witold a murit. Fiica acestuia, care trăia în Germania, îi comunică faptul că muzicianul îi lăsase un cadou de despărțire. O călătorie în Polonia nu lămurește prea mult despre cine fusese Witold Walczykiewicz. Pachetul pe care-l găsește conține însă o surpriză: 20 de scrisori, fiecare conținând cate un poem scris în limba poloneză, punând pe hârtie – nu cu vreun talent literar deosebit – o iubire intensă și care se știa fără speranță.

La fel cum prima lor întălnire aproape că nu avusese loc, Beatrice este la un pas de a distruge scrisorile. Își amintește totuși spusele bunicului său, care în tinerețe asistase la arderea cărților interzise în piața publică în vremea dictaturii lui Franco – ‘Arderea cărților este un preludiu al arderii oamenilor’ – (fraza este preluată din Heine).

‘Arderea scrisorilor nu e același lucru cu arderea cărților. Oamenii ard scrisori vechi toată ziua-bună ziua. Le ard pentru că nu conțin nimic de interes durabil sau din cauză că au devenit motiv de stânjeneală: scrisori de la iubirile din copilărie, bunăoară. Acelaşi lucru este valabil, mai mult sau mai puțin, pentru jurnale. Dar cele optzeci și patru de poezii ale polonezului nu sunt scrisori decât într-un anumit sens, unul neobişnuit, și nici nu reprezintă un jurnal decât, din nou, într-un anumit sens. Ele constituie un manuscris, adică embrionul unei cărți. A pune pe foc poeziile ar semăna mai degrabă cu arderea unei cărţi decât a unor scrisori vechi. Întrebarea este: arderea poeziilor ar fi un act de barbarie, un preludiu al arderii camenilor?’ (pag. 136)

Abia la citirea scrisorilor și a poemelor incluse în aceste scrisori, Beatriz începe să înțeleagă mai bine și complexitatea personalității și intensitatea sentimentelor bărbatului, care transformase o femeie întâlnită din întâmplare,  despărțită de el de vârstă, de geografie și de diferențele culturale, în idolul ultimilor ani de viață, ridicându-i un monument în imaginația sa, precum poetul italian ridicase aproape-tizei ei. Elucidarea nu mi se pare însă completă. Muzica, profesiunea lui, nu reușise să-i unească. Lui Beatriz chiar nu prea îi placea felul în care Witold îl interpreta pe Chopin, cu precizie virtuoasă dar fără fiorul romantic al altor pianiști. Comunicarea verbală dintre cei doi trebuia să treacă permanent barierele de limbă. El nu vorbea spaniola, ea nu vorbea poloneza, foloseau în conversații limba engleză, mai mult sau mai puțin bine stăpânită, care nu era însă pentru niciunul dintre ei un mediu firesc de exprimare. Am putea spune, parafrazând, că Beatriz nu a reușit niciodată să lămurească în totalitate misterul masculin. De ce totuși el a ales-o tocmai pe ea?

‘Intoarce-te la Beatrice, la adevărata Beatrice. Ce anume l-a făcut pe Dante s-o aleagă pe ea dintre toate celelalte femei? Sau întoarce-te la Maria. Ce avea Maria, cea plină de grație, care l-a făcut pe Dumnezeu să decidă s-o viziteze în timpul nopţii? Ce curbură a buzei, ce arcuire a sprâncenei, ce contur al fesei? În ce momente ea, Beatriz, femeia a cărei însărcinare a fost să-l ducă la cină pe solistul invitat, în acea seară fatală din 2015, a devenit cea care i-a fost lui destinată? Ce a fost atât de deosebit la ea. încât a decis alegerea ei? Unde anume s-a aflat divinul în ea, în acea seară? Şi unde anume se află acum divinul în ea?’ (pag. 141)

Despre tabu-urile poveștilor de dragoste care se confruntă cu diferențe de vârstă s-a scris destul de mult, și această carte se adaugă unei colecții semnificative. Cred că J.M. Coetzee a dorit să transmită ideea că iubirea nu are vârste și că ea poate fi sinceră și intensă chiar și atunci când este clar că nu are șanse de împlinire. Comentariul său se refera și la diferențele culturale și la falia invizibilă care încă există între Europa fost Răsăriteană și Europa fost de Vest. Călătoria în Polonia pare în unele momente o călătorie în timp sau pe altă planetă, iar diferențele culturale sunt o preocupare mai veche a scriitorului care are și o ascendență poloneză în familia sa. ‘Polonezul’ este o carte frumoasă și accesibilă, care conține o poveste de dragoste memorabilă și comentarii sociale interesante despre lumea în care trăiesc eroii sai.

Posted in books | Tagged , , , | Leave a comment

dr. Jodie Foster from Paris (film: Vie privée – Rebecca Zlotowski, 2025)

I have always had a healthy dose of distrust in the ‘psy-‘ experts, i.e. psychologists, psychoanalysts or psychiatrists. Call it skepticism or prejudice, the fact is that I have never resorted to their services. The film ‘Vie privée‘ (‘A Private Life‘ in the English version), directed by Rebecca Zlotowski, did not change my opinions at all, on the contrary. If experienced psychoanalysts like Dr. Lilian Steiner, the main heroine of the film, can make such mistakes in diagnoses and assessments, mistakes with potentially fatal consequences for their patients, it is probably too risky to leave our minds and souls in their hands. This is the first film by Rebecca Zlotowski that I have watched. I understand that she is also a screenwriter, being the author or co-author (as in this case) of the scripts of her films. Her professionalism is evident both in the writing and in the directing of the actors. It lacks, I felt, clarity and a deepening of at least some of the many interesting and promising directions that I could identify in this film.

Vie privée‘ could have been an exploration of the ‘Americans in Paris’ genre from a less frequently approached female perspective, but the city is rarely seen in the film, except for a few split seconds on the streets and a few spectacularly filmed scenes on a spiral staircase in the Parisian building that houses the apartment and private office of the renowned Dr. Lilian Steiner, the place where several of the film’s key scenes take place. I will avoid spoilers and will only say that the famous expert in psychoanalysis is suspected of responsibility (if not criminal, at least professional) in the death of a patient. Her self-confidence begins to give way to doubts. Starting to check her own diagnoses and recommendations, Lilian begins to suspect that it was not a suicide but a possible murder. The suspicion turns into an obsession. Both she and her ex (they seem still to be in love) husband, and the deceased’s family are Jewish families and they all seem to be living – consciously or unconsciously – past traumas (parents, the Holocaust). Complications are not long in showing up. The plot is quite tangled and additionally complicated by the fact that part of what we see on the screen are flashbacks or images induced through hypnosis.

A detective mystery starting from the question ‘murder or suicide’? A film about an American in Paris? A psychological thriller or, if you wish, a psychoanalytic one? A drama about the power and responsibility of psychiatrists? A commentary on Jewish identity in today’s France? Rebecca Zlotowski does not seem to have decided or perhaps did not want to abandon any of these themes, but neither to delve into them sufficiently. What came out was a mystery dish generously sprinkled with psychoanalysis sauce plus a side dish of oneirism. Jodie Foster is formidable, and not only because she speaks an almost impeccable French but also because she manages to make believable a character who starts out as a medical doctor (and therefore a rational scientist) to immerse herself (almost to drown) in the phantasmagoria of a hypnotist and then return to clarity. Two of my favorite French actors – Daniel Auteuil and Mathieu Amalric – are also in the cast, but the rest of the team is also excellent. The actors largely save a movie that, with more clarity and decision, could have been much more significant than it ended to be.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

Lanthimos strikes again (film: Bugonia – Yorgos Lanthimos, 2025)

Bugonia‘ is apparently a relatively ‘light’ film in Yorgos Lanthimos‘ filmography. It’s a remake of ‘Save the Green Planet!’, the 2003 black fantasy comedy by Korean director Jan Joon-hwan, who appears as an executive producer on the American film’s credits. The film is ‘light’, of course, only on ‘Lanthimos‘ scale. ‘Light’ in the sense that it’s a relatively accessible film, perhaps his most accessible since ‘The Favourite’. About two-thirds of the way through this film, I had the impression that I was watching a technological anticipation thriller combined with a satire of conspiracy theories and those who adopt them as a way of life and purpose in life. And then something happens, and perspectives begin to flip, so that by the end of the film (and even after the end of the film) we will continue to debate with other viewers and with ourselves about the logic of what we saw and about the characters on screen. The way the story is structured and especially the ending make me believe that Yorgos Lanthimos had more serious aspirations in what he wanted to convey as a message. But can we be sure about the message when it comes to Lanthimos? He is one of those creators who even when he wants to say something very bluntly, he does it through a huge metaphor. In addition, as always, he keeps part of the cards close to his chest and leaves to viewers the freedom to imagine and decide.

Michelle Fuller, the powerful CEO of a pharmaceutical concern and cousins ​​Teddy and Don live in parallel worlds that should never intersect. And yet, their destinies collide when the two kidnap the rich and arrogant woman and keep her prisoner in their dilapidated house, somewhere, in a disadvantaged area, without a name and identity. The two men are followers of conspiracy theories according to which aliens from the Andromeda galaxy have taken over key positions on Earth and are actually leading the destinies of humanity. They do not ask for a ransom, but want the woman – who they are convinced is ‘Andromedan’ – to lead them on the aliens’ interstellar ship, in order to negotiate with their emperor their withdrawal and non-interference in the internal affairs of the earthlings. The kidnapped woman has no other thought, of course, than to escape. A large part of the film consists of the dialogue between the two men and the captive woman, in their attempt to convince her to transport them into space and in her attempts to find ways to escape from the terrible situation she is in.

However, things are more complicated than they seem. I will avoid spoilers and will not tell about the surprises that await the heroes and the viewers. The last third of the film slips into horror, with Lanthinos-style twists and turns of perspective. Emma Stone (who is also a co-producer), at her fifth collaboration with the Greek-born director, manages to create a character from the gallery of female characters who go through terrible trials (see also Coralie Fargeat’s ‘Revenge’). But I liked Jesse Plemons‘ creation even more. He is pathetic and impressive in the role of Teddy, the young man with a destiny marked by trauma and prisoner of conspiracy theories, a role so representative of our times. The decision to cast Aidan Delbis, a young and talented autistic actor, in the role of Don was also very courageous and courage paid. Delbis plays with intensity a character who represents the sole element of logic and human decency in the plot. ‘Bugonia’ is not an easy film to watch, those who dislike intense scenes or topics should avoid watching it, but as with all Lanthimos‘ films, viewers will leave the screening slightly changed from who they were when than they entered it.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , | Leave a comment

farewell rituals (film: Ani wo mochihakoberu saizu ni / Bring Him Down to a Portable Size – Ryôta Nakano, 2025)

Bring Him Down to a Portable Size‘ (2025 – in Japanese the title is ‘Ani wo mochihakoberu saizu ni‘) by Ryôta Nakano reminded me of another Japanese film that deals with funeral details – ‘Departures’ (2008 – in Japanese the title was ‘Okuribito’) by director Yōjurō Takita. If that film explored the beauty and dignity of funeral rituals in Japan despite the associated stigmas, Ryôta Nakano‘s film deals less with the ceremonial parts (although they are not completely absent) and more with the separation of the family from the deceased from an unusual angle – with a combination of humor, empathy and a thrill of fantasy that could be characterized as Japanese magical realism, by association and with all the differences from Latin American magical realism. It is a very original film and I think that the feeling of novelty comes not only from the cultural differences between Europe and Japan. I dare say that many Japanese viewers may also have been surprised by the approach. I hope they were as delighted as I was.

Riko Murai, the film’s main heroine, is a writer. She lives a comfortable and fairly happy life with her husband and two boys in their early teens. In the scene that opens the film, Riko receives a phone call from the police in a remote prefecture in eastern Japan informing her, with typical Japanese politeness, that her older brother has died and that she is asked to come and deal with the cremation ceremony, receiving the cremated remains (‘at a portable size’) as the ‘chief mourner’. Her brother had been divorced and was one of his two children – a boy in the 4th grade – was under his care, while the older girl lived with his ex-wife. Riko’s relations with her brother had not been good. There had been a childhood rivalry between the two siblings, and the departed brother had had a disorderly lifestyle, without a stable job, living off their mother and then the better-off sister. Funerals are usually a ceremony of separation, but the separation between the departed and his sister, wife and children will be different than the characters and the audience expected.

Sometimes we know the missing better after their death than during life. This could be one of the film’s mottos. The way this story is told is very special. We are dealing with fantasy combined with humor and everything wrapped in that Japanese politeness that to us, Europeans, seems excessively ritualistic. That is precisely why the humanity of the characters appears all the more profound and surprising. The film also has a literary aspect – the main heroine is a writer and this story will generate a book that is practically written before the eyes of the viewers. The actress who plays the main role is called Kô Shibasaki and she plays with sensitivity and without ostentation, as does the entire team of actors. I think this film added to my understanding not only of the culture but also of the Japanese soul.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

from Paris to Tokyo (film: Tokyo Taxi – Yôji Yamada, 2025)

We are pretty much used to remakes of Japanese or Korean films that are produced in the United States or Europe. Sometimes, however, the phenomenon of remakes also works the other way around. This is the case of the film ‘Tokyo Taxi’ directed by veteran Japanese director Yôji Yamada, which is a remake of the Franco-Belgian film ‘Une belle course’ (titled ‘Driving Madeleine’ in the international distribution). I have not seen the original, so I cannot make any comparison, and perhaps this is even better, because I am thus able to judge what I have seen for its own qualities and flaws. Yôji Yamada is 94 years old and has 94 films in his filmography, 8 of which were made in the last 10 years! “Tokyo Taxi” is a film about old age and about a character who knows that he is at the end of his life, but judging by the quality of his cinematography, I would say that Yôji Yamada is a director who still has a lot to say and says it well. If nature helps him, this will not be his last film.

Kôji Usami is a self-employed taxi driver. He and his wife work hard to provide for their teenage daughter, who has won admission to a prestigious but expensive music school through her musical talent. When a colleague asks him to take his place on a long journey transporting an elderly woman to a seaside retirement home, he accepts the job and the chance to earn more than the usual. It will be the occasion of a meeting with Ms. Sumire Takano, a woman whose personal biography spans 85 years of Japanese history, from the tragedy of war, through love stories and personal tragedies, to the final journey they travel together in Tokyo and Yokohama, in search of memories and of what survived landmarks in the ever-changing landscape of Japan. Kôji and Sumire will get to know each other and, during the trip of a day, will form a bond that transcends generations.

Tokyo Taxi’ is a beautiful road movie, in space and time. Geographically, the film takes us through the touristic Tokyo with its suspended highways and with some of its famous landmarks, but also through seemingly banal places, but loaded with meaning for the old lady who visits perhaps for the last time the places where she lived her life. Historically, it is also an opportunity for Sumire to share her biography marked by turbulent history and some of the major problems of her country during the period she had gone through: the war and the destruction caused by the bombings, a difficult economic period and the rebirth called the ‘Japanese miracle’ that took place with progress but also with cultural shocks, the Korean immigrants and their repatriation to North Korea at the end of the Korean War, domestic violence and the inferior status of women in Japanese society. Chieko Baishô is 85 years old and has 64 years of career on the screens, ‘Tokyo Taxi‘ being the 177th title in her filmography. Her role is formidable and she manages to create the portrait of Sumire with precision and sensitivity. Takuya Kimura, the actor who plays the driver, is, from what I’ve read, an older collaborator of director Yôji Yamada and this role is very different from those played in other films. The action flows fluidly and even if the story is a bit predictable (I whispered to my wife what the ending would be about half an hour before the end of the movie and I wasn’t wrong) it is emotional and brings closer to us both the Japan of today and that of the last 80 years.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , | Leave a comment

a little more than another Liam Neeson action movie (film: Memory – Martin Campbell, 2022)

Memory‘, the 2022 film directed by Martin Campbell, has bigger ambitions than just being another action movie. Campbell, who has an uneven filmography in quality (if we measure it by the stars awarded by critics or the ratings on IMDB) but who makes films that appeal to the public, used a script that is a remake of a Belgian film, in turn a screen version of a novel. The story of a professional assassin whose memory begins to be eroded by Alzheimer’s disease is an interesting enough theme to have attracted the attention of stars like Liam Neeson and Monica Bellucci, who probably hoped that ‘Memory‘ would not be another production in the category of not very successful movies made after the peaks of their careers. Unfortunately, the screenwriters and the director preferred to develop merely the action thread and thus the opportunity to make a quality psychological thriller was missed.

The story is set in a Texas town on the Mexican border and in Mexico, but much of the filming took place in … Bulgaria during the pandemic. Liam Neeson plays a hitman who begins to have memory lapses. He knows the reason, because his brother is hospitalized in a specialized institution, in an advanced stage of dementia. When he refuses to carry out a mission that exceeds even the limits of his morality as a professional assassin, he himself becomes the target of the organizations that had paid him for his crimes until then. Between him, those who pursue him, the corrupt local police and FBI agents, a deadly game begins, strewn with many corpses.

It is worth noting the presence in the cast of Guy Pearce, an excellent actor who played in another film in which the hero suffers from amnesia, ‘Memento’ – Christopher Nolan’s second film. Liam Neeson and Monica Bellucci do pretty much what is expected of them. The result is a fairly well-written and made action flick, better than others in the series of films of this genre that featured Liam Neeson over the past decade, but the very part that could have been the most interesting is relegated to the rank of pretext. Action movie lovers will be satisfied, I think. Those interested in psychological thrillers should also look for the original – ‘The Memory of a Killer’ by Belgian director Erik Van Looy.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

Thimotée Supreme (film: Marty Supreme – Josh Safdie, 2025)

I’ve discovered my favorite in the race for the Best Picture Academy Award this year. I wrote ‘favorite’ meaning the film that I liked the most out of the ten nominated (well, out of the six I’ve seen – I still have three to watch and one I’ll never watch). It’s ‘Marty Supreme‘ directed by Josh Safdie. Apparently it’s a sports film about a sport – ping-pong – that seldom appears on screens, except for one of the famous episodes in ‘Forest Gump’. Rather, it’s the biography of a champion of this sport, loosely inspired by a real character, born in New York and internationally recognized as a master of table tennis a decade after the end of World War II. As in his previous films, especially those made with his brother Benny Safdie, Josh Safdie‘s new film proposes a hero who does not find his place in the society around him, endowed with immense talent and an even more impressive ambition, constantly daring and taking risks, making mistakes after mistakes and making catastrophic decisions one after another, a hero that as a viewer you cannot help but love.

Marty is a New Yorker, just like other heroes in Josh Safdie‘s films. However, it is about New York in the 1950s in a neighborhood with a large Jewish population which had gone through the tragedy of the Holocaust only 10-15 years earlier (some were survivors, most had families that had disappeared or been destroyed). Marty is a young man, extremely talented at ping-pong – perhaps the best in New York or in all of America – and at business the way a young man raised on the streets understands business. The big international competitions take place abroad – London, Paris – and to get to them, he has to get the money by any means necessary. Any means can mean theft, seducing the wife of a tycoon who sponsors sports events, or accepting humiliations that would deprive others of their own dignity. At a competition in London, Marty wins everything until the finals where he faces and is defeated by a Japanese champion, representing another nation trying to raise up from the ashes of war. The rematch means a trip to Tokyo, but Marty has quarreled with everyone who could help him: his family, the boss he worked for, the tennis federation. However, the impossible is not acceptable to the hero of the film and he will risk everything to reach the confrontation at the top.

New York in the 50s has been depicted in many other films from those years to today. But never like this. The reconstruction is meticulous, but the nervousness of the editing is modern and the soundtrack belongs more to the last decades of the century. Understanding the game of ping-pong is an advantage, but it is not key – the tension of the confrontations crosses the screen anyway. Timothée Chalamet enters the role formidable and the comparison with Al Pacino or Robert De Niro, who played similar roles of young rebels on the streets of New York, is inevitable. He is a typical and atypical American hero at the same time. He has a dream and to achieve it he is ready to do anything, including destroying himself and those around him. I am a big fan of Gwyneth Paltrow and her return to the screen in … the role of a star returning to the stage delighted me. I hope it is the sign of a lasting return, because I believe that she still has many wonderful roles waiting for her. I would also mention the name of Odessa A’zion, a young actress, with a special physiognomy and full of talent, who transforms a ‘small’ role into a significant one. Not since Tarantino have I seen such raw realism on screen, but in Josh Safdie‘s violence (not just physical) is not sought for show or ratings, but justified by the story and the context his characters find themselves in. With ‘Marty Supreme‘, Josh Safdie has become one of my favorite directors.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

a farce in the mountains (film: Catane – Ioana Mischie, 2025)

The poster, the credits and the promotional campaign for ‘Catane‘ (2025) insist on emphasizing the fact that it is a feature-length debut film. I don’t know exactly why the director and screenwriter Ioana Mischie, together with the producers, insist on this aspect. Maybe to emphasize the fact that the film had an extremely long gestation period, setting a kind of record, at least in Romanian cinema? The script, which was the filmmaker’s diploma work at Romanian Theatre and Film Art University in 2011, was refined and perfected in several creative workshops and festivals and has already generated at least two short films that I have identified in Ioana Mischie‘s filmography. In the meantime, she has made a name for herself in the creative introduction and exploitation of various digital techniques and virtual reality in film, video art and games. If this is an excuse for the quality of the film or for some possible visible clumsiness due to lack of experience, then that is really not the case. ‘Catane‘ is a mature film, which experiments with courage, which aims to say something and does it with aplomb and creativity. At one point, halfway through the film, I even had the impression that I was watching one of the most remarkable Romanian productions in recent years. My enthusiasm waned in the second part of the film, the main problem from my point of view being precisely that script that was so much worked and processed. Maybe too much.

The story is extracted from news broadcasts in recent decades by the Romanian media. In a remote village in the heart of the mountains, all the inhabitants receive social pensions for the most different kinds of disabilities. The situation contradicts all statistics and comes to the attention of the department in charge of pensions for people with disabilities in Bucharest. Almost everyone is on leave for various reasons, so the staff of the ministry’s inspection service themselves are forced to go to that village to check the situation on the spot. The team of bureaucrats is composed of a tyrannical boss, a long-legged young lady who undertakes – despite her lack of qualifications – the position of the unavailable physician, and a young, ambitious and servile intern. Arriving in the village located on a mountaintop in an idyllic landscape, the incompetence of the inspection team meets the cunning of the villagers guided by the mayor Pamfil. It would seem that the stratagem succeeds, but something always happens to ruin the best-laid plans. The ruthless inspectors will soften when they understand that the villagers had no other solution than to resort to deception in order to survive the negligence of successive governments. A love story between the female inspector and the one-legged (or maybe two-legged?) forester adds color to the whole situation.

Catane‘ is an aesthetic achievement. The music is composed by the Italian Emiliano Mazzenga and manages to synthesize Romanian folk sounds with elements of naive music that accompany and accentuate the rhythm of the action. The spectacular cinematography created by George Dascalescu uses the natural environment and combines the colors of the landscapes with sophisticated costumes. The props play an important role, some of them being authentic products of the local industry created by the villagers. The film starts off excellently. The three heroes from Bucharest arrive in a different world, with its own flow of time and laws, and as spectators we witness a combination of farce with magic, original and unique in Romanian films. Unfortunately, from a certain point onwards, the edifice begins to totter. The screenwriter seems to have not known how to resolve the conflict other than through a solution borrowed from classical Romanian comedies combined with a reconciliation and spiritual conversion of the ‘bad’ inspectors who are too little psychologically justified and seem forced. A helicopter also lands with the President (or maybe he is just a presidential candidate, it was not clear to me) who gives a filmed speech, but this scene seems inserted from another film. Part of the actors established names (Costel Cascaval, Iulia Lumânare), other are two screen veterans that I always enjoy watching (Mihai Mãlaimare, Mihai Dinvale) together with a team of amateur actors, residents of the village where the filming was done, excellently integrated. ‘Catane‘, in my opinion, missed the opportunity to have been a great film, but there are enough good reasons to go and watch it and I think many categories of viewers will like it. I am waiting for Ioana Mischie‘s next films and I just hope that 15 years will not pass between the script and the release on screens.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

a disturbing and absorbing movie (film: Good Time – Benny & Josh Safdie, 2017)

Good Time‘, the 2017 film by brothers Benny and Josh Safdie, was for me one of those films that left me glued to my seat at the end and when the credits rolled I asked myself: ‘What did I just see?’. A very different experience than watching another action film or another film noir or another film about the most catastrophic day and night in the life of a hero. ‘Good Time‘ could fit into any or all of these categories, but it is different – a film that captivates and disturbs, a film with a hero who commits one bad act after another and makes fatal mistakes, but who you can’t help but sympathize with. The only association that seems valid to me is the one with films about the New York underworld of the ’70s, with its famous or common mobsters, with the violence that seems gratuitous to many but which is a way of life for these men. A world without hope and a hero who, even when he intents to do good, only manages to get himself into even worse misfortune and crime.

The story unfolds at a fast pace, in tune with the events on the screen, except for the opening and the ending. In the scene that opens the film, Nick Nikas, a developmentally disabled young man, is undergoing a psychotherapy session, probably imposed by the court because he assaulted his grandmother. He is visibly stressed when his brother, Connie, bursts into the room and takes him out. Shortly after, the two rob a bank and leave with a bag full of money, but the police are on their trail and Nick is captured. Will the disabled boy survive in prison, among the violent policemen and inmates? Connie is ready to do anything to free him, including finding 65 thousand dollars to pay the bail. Legal means of obtaining this money are quickly exhausted. Less legal opportunities take Connie to the dark streets of New York, on a night full of violence and unexpected encounters. The disaster will be visible in the light of the morning. The storm is over and Nick returns to psychological treatments.

The Safdie brothers’ cinematic style is very original for an action film. More than half of the frames are close-ups, which allows the audience to get to know and understand the characters. The actors are formidable. Benny Safdie plays the difficult role of Nick and completely enters the psychology of the character. For Robert Pattinson, the role of Connie is, I think, one of the best of his career. A man with the best intentions, but who has only known crime and violence and therefore does not know how to channel even his best intentions. Everything ends in catastrophe for him. Several secondary characters are excellently drawn. ‘Good Time‘ exposes one of the possible versions of hell located a few blocks away from where some of the richest and happiest people in the world live. A disturbing film, a film that should be depressing, but is so well made that it’s hard not to be absorbed by its dark magic.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: Istoria emoțiilor și a simțurilor

Albert Einstein a introdus și generalizat conceptul de relativitate în fizică. El însuși și filosofii care au dezbătut și interpretat teoriile sale au aplicat relativitatea altor diferite domenii ale gândirii și cunoașterii. În opinia mea, dezbaterea nu este nicăieri mai actuală și cu implicații profunde decât în cel al istoriei și – derivat de aici – al științelor politice. De aceea mi s-a părut extrem de interesant să aduc în discuție în rubrica CHANGE.WORLD contribuțiile și publicațiile istoricului Rob Boddice, căruia publicistul Gal Beckerman i-a dedicat un eseu în numărul 1/2026 al publicației ‘The Atlantic’.

(sursa imaginii: robboddice.com/2021/02/about-me.html)

Rob Boddice s-a născut în 1977, în apropierea orașului industrial Burton upon Trent, dintr-o zonă minieră din centrul Angliei. Pe pagina sa Web se definește ca scriitor, istoric, alergător (peste 3 000 km anual, inclusiv 6 curse de maraton în palmares), muzician (îi place să fie fotografiat cântând la chitară) și călător. Își împarte timpul între Montreal în Canada și Tampere în Finlanda. Este autorul sau editorul a 15 cărți de non-ficțiune istorică, precum și a zeci de articole, capitole de carte și recenzii. Lucrările sale au fost traduse în 12 limbi. De asemenea, a scris eseuri populare pentru revistele Aeon, History Today și Psychology Today. Domeniul de expertiză și l-a creat în mare parte el însuși. Este cunoscut în principal ca istoric al emoțiilor, experienței, științei și medicinei, cu un interes special pentru istoria bioculturală a ființei umane. Este, de asemenea, expert în studiile durerii, istoria experimentelor medicale și implicarea interdisciplinară. Format ca istoric britanic modern, și-a extins domeniul de activitate de la antichitate până în prezent, tinzând geografic spre o acoperire globală. Londra anilor 1880 este însă locul și timpul în care se simte cel mai confortabil.

(sursa imaginii: https://beyondthestates.com/schools/university-of-tampere/)

Boddice este unul dintre liderii Centrului de Excelență în Istoria Experiențelor, cunoscut sub prescurtarea HEX, fondat în 2019 și găzduit de Universitatea Tampere, din Finlanda. El a încercat să orienteze acest domeniu de studiu al istoriei spre o direcție radicală. Emoții și simțuri se referă la o abordare a istoriei concentrată mai puțin pe faptele trecutului și mai mult pe trăirile oamenilor din diferite perioade, cum ar fi mirosurile unui oraș din secolul al XIX-lea, plin de mii de cai, sau sentimentele de durere exprimate în scrisorile văduvelor din timpul Primului Război Mondial. Boddice este interesat de o metodologie mai profundă, mai vastă, care cuprinde tot ce ține de modul în care este percepută realitatea, îmbinând emoțiile și simțurile într-un concept pe care l-am putea exprima prin cuvântul „experiență”. Teoriile sale nuanțează și poate chiar intră în polemică cu teorii standard din psihologie. În anii 1960-70, psihologul american Paul Ekman (1934 – 2025) identificase șase sentimente („feelings”) care ar fi codate în orice ființă omenească: fericire, tristețe, teamă, furie, surpriză și dezgust. Dacă veți căuta emojiurile (pictogramele) folosite de mesagerii sau rețele sociale pentru a exprima reacții la mesaje sau postări, veți găsi exact 5-6 asemenea răspunsuri ‘standard’. Imaginea pe care o propune Boddice este mult mai nuanțată, diferită de la om la om, de la cultură la cultură, de la o perioadă istorică la alta. Perspectiva pe care o propune este multilaterală și multidisciplinară, ceea ce se reflectă și în structura echipelor de cercetare și a profilurilor colaboratorilor institutului. Doar o minoritate dintre ei sunt istorici cu diplomă, printre ceilalți numărându-se biologi, psihologi, medici, critici de artă, fizicieni, teologi și experți în genetică. Munca de coordonare și sinteză a istoricului emoțiilor și sentimentelor seamănă mai degrabă cu truda unui mare romancier care scrie o frescă despre o perioadă trecută sau contemporană lui, cercetând, descoperind, imaginând, îmbinând și sintetizând fațetele multiple ale personajelor și vremurilor în care acestea trăiesc.

(sursa imaginii: open.ac.uk/blogs/news/arts-social-sciences/classics/from-the-iliad-to-circe-cultures-enduring-fascination-with-the-myths-of-troy/)

Istoricul englez este autorul a două cărți în care dezvoltă fundamentele teoriilor sale și pune bazele unei noi discipline a studiilor istorice: Istoria emoțiilor, apărută în 2017, și Istoria sentimentelor, apărută în 2019. Ceea de-a doua carte analizează unul dintre sentimentele exprimate în cuvântul cu care începe Iliada – una dintre cele mai vechi și mai fundamentale cărți ale culturii clasice europene:

Mânia, zeiță, cântă-mi a lui Peleu fiu, Ahile!”

Primul cuvânt al poemului în versiunea originală, precum și în traducerea românească a lui Dan Slușanschi exprimă un sentiment omenesc aparent ‘universal’ – mênin / mânia. Dar era oare sentimentul experimentat de Ahile la moartea prietenului său Patrocle același cu sentimentul pe care astăzi îl definim ca mânie? Era vorba despre o furie calculată și bine stăpânită sau despre o dezlănțuire violentă de proporții epopeice? Desigur, Platon și Aristotel se refereau în operele lor care au supraviețuit timpurilor la sentimente cum ar fi mânia sau frica, dar nu trebuie să presupunem că aceste noțiuni sunt similare cu ceea ce simte un om din contemporaneitatea noastră.

(sursa imaginii: open.ac.uk/blogs/news/arts-social-sciences/classics/from-the-iliad-to-circe-cultures-enduring-fascination-with-the-myths-of-troy/)

Una dintre colaboratoarele lui Rob Boddeye se numește Piroska Nagy, e născută în Ungaria și e expertă în istoria medievală. Tema lucrării sale de doctorat a fost plânsul. Nagy a studiat semnificațiile acestui gest aproape exclusiv uman în istoria ultimilor 1 500 de ani. Cercetările sale revelează faptul că plânsul era un mod de exprimare mai mult colectiv în Evul Mediu și avea, pe lângă exprimarea durerii fizice, a deprimării și a presiunilor psihologice, și o interpretare religioasă, indicând o apropiere de divinitate. Aceasta semantică a emoției s-a pierdut în timp.

Lucrările lui Boddice au dezvăluit și felul în care dictaturile secolului XX au modificat percepțiile senzoriale. Ce au simțit locuitorii Moscovei și ai Petrogradului – se întreabă el – în anii revoluției? Cum au perceput ei schimbările care se petreceau în jur? Prima impresie era pentru mulți dintre ei la nivel senzorial: trotuarele pe care pășeau erau acoperite de cojile semințelor mâncate de ‘mujicii’ care invadaseră metropolele rusești; culoarea roșie devenea dominantă, inspirând speranță și avânt revoluționar, în sufletele unora, și depresie și teroare, în mințile altora; zgomotele familiare ale clopotelor bisericilor care dominaseră peisajele sonore ale orașelor timp de secole dispăreau aproape complet. Dictatura nazistă, în schimb, părea să fie obsedata de simțul mirosului. Dușmanii reali sau imaginari și în special ‘sub-oamenii’ aparținând raselor considerate inferioare erau asociați cu murdăria, bolile, epidemiile, animalele și insectele care le propagă, tumorile și putrefacția. Eșecul acestor dictate senzoriale ale regimurilor totalitare demonstrează că ființele umane sunt suficient de diferite pentru a rezista agresiunii uniformizărilor simțurilor și a emoțiilor.

(sursa imaginii: express.co.uk/news/science/1535474/albert-einstein-wrong-theory-of-relativity-flaws-gravity-new-physics-pulsars)

Se poate spune că Rob Boddice este un extremist în refuzul acceptării conceptului de universalism. El, de altfel, amintește în multe ocazii că universalismul este o creație intelectuală relativ recentă, inventat de intelectuali europeni, în saloanele secolului al XVIII-lea. Mai târziu, psihologia freudiană a redus și ea dinamismul minții umane la o mașină (în sensul automatelor deterministe), având ca intrări impulsuri comune și ca ieșiri, comportamente previzibile. Dar chiar dacă am merge pe această linie, astăzi, în cultura noastră globală, nu interpretăm la fel pe orice meridian un cântec latino-american sau un film de groază sud-coreean. Unul dintre colegii de generație ai lui Boddice este Javier Moscoso, cercetător și profesor de istorie și filosofie a științei la Institutul de Filosofie al Consiliului Național de Cercetare din Spania (CSIC). Între cei doi există o rivalitate plină de respect reciproc. Adoptând stilul și o parte dintre metodele lui Boddice, Moscoso îl contrazice, căutând și găsind în felul în care oamenii din diverse locuri și epoci istorice răspund unor fenomene similare mai degrabă continuitate decât disonanțe permanente. Printre exemplele numeroase pe care le dă, istoricul spaniol descrie poveștile de dragoste nefericite care par a se repeta aproape ca tipare în lucrări literare de la Metamorfozele lui Ovidiu, trecând prin legendele chinezești și până la povestea Romeo și Julieta, în interpretări clasice și moderne.

Generalizarea conceptelor relativiste și respingerea universalismului au implicații în studierea și receptarea istoriei, dar și rezonanțe politice. Istoriografia are, cred eu, de câștigat din abordarea multi-disciplinară. Avantajele nu sunt însă doar metodologice, ci și legate de felul în care este predată în școli sau receptată în public istoria. Imaginați-vă lecții de istorie care nu se rezumă la a înșirui elevilor date despre dinastii și regi, nume de eroi și de locuri în care au avut loc bătălii, și le completează și îmbogățește pe acestea cu perspective, ipoteze și întrebări despre emoțiile, sentimentele și experiențele oamenilor care au trăit în trecut. Poate că atunci lecțiile de istorie vor deveni mai populare, iar înțelegerea noastră despre trecut mai umană și mai imersivă. Politic însă, respingerea universalismului aduce cu ea o doză de pericole reale. Dacă natura istoriei este subiectivă, dacă înțelegerea și reprezentarea noastră asupra trecutului nu sunt fixe, ci se schimbă în funcție de perspectivă, context și informațiile disponibile, la fel cum relativitatea lui Einstein a modificat fizica arătând că spațiu-timpul nu este absolut, nu înseamnă acestea că nici valorile fundamentale ale democrației, inclusiv drepturile omului și egalitatea tuturor ființelor umane în fata lui Dumnezeu și a legilor omenești, nu sunt neapărat absolut adevărate oriunde și oricând? Mărturisesc că răspunsul dat de Boddice autorului eseului publicat de ‘The Atlantic’ nu m-a convins până la capăt: Am fost motivat nu doar să arăt bogăția și nefamiliaritatea experiențelor trecute, ci și să încerc să le ofer oamenilor instrumentele necesare pentru a interoga politica sentimentelor în prezentul lor.” Nici Gal Beckerman nu pare să fi fost complet câștigat. În paragrafele finale ale articolului, el îi acordă lui Rob Boddice meritul principal de a-l încuraja pe fiecare dintre noi să ne uităm în ochii celor din jur sau să ne imaginăm că ne uităm în ochii celor care au trăit în trecut și să-i întrebam, pe fiecare în parte, cum simte și ce emoții trăiește din perspectiva personală. Până la urmă, diferența fundamentală dintre specia umană și alte specii ar putea fi curiozitatea despre alți oameni. Sau, aș adăuga eu, studiul istoriei.

Articolul a fost publicat inițial în revista de cultură ‘Literatura de Azi’

Posted in change.world | Leave a comment